在油画创作中，怎样才能让色彩发挥出最好的效果？
造型、色彩、光影、笔触是创作和欣赏油画时，都要考虑的元素，造型通过科学写实手段，可以让油画画面的外在形象贴合真实性的要求，色彩不但可以表现强化造型的精确性，还能展现画家的情绪和思想，更能提升视觉冲击力。光影和笔触是体现画面节奏感和韵律感必不可少的元素，同时，笔触跟色彩结合起来，能展现出强烈的主观情感。
（雷诺阿风景）自始至终，色彩在油画创作中扮演着非常重要的角色，文艺复兴中期，威尼斯画派大师提香是第一位重视色彩感受的画家，通过他对色彩的发扬，自此后，从巴洛克、洛可可、浪漫主义，一直到印象派，色彩在油画中的比重越来越高。（雷诺阿作品）尤其到了印象派时代，色彩的作用在油画创作中上升到了第一位，给油画进入现代性开了一个好头。
实际上，色彩是一把双刃剑，用得好能很好地提升画面趣味，若用不好的话，画面会呈现出凌乱，跳跃，拼凑，没有主题的感觉。归根结底，画面中的色彩组合到一起，以和谐为基准。（雷诺阿·河边沉思的姑娘）中国画中经常有浓破淡、淡破浓、干破湿、湿破干等画法，是指先在纸上画出浓墨或淡墨，未等它们干透后，在浓墨或淡墨的基础上，继续施加淡墨或浓墨，这样画出来，等画面完全干透后，就能看到浓淡相宜，虚实相生的层次感，让画面体现出一种自然节奏，给观者没有死板的感觉。
（梵高·花园花开）油画跟国画都是视觉艺术，它们的画理实际上都一样，都是采取一定方法，让画面色彩不产生冲突和遏制。从这个意义来讲，油画中在设色时，不能使用同一种色彩或色调，每种色彩或色调在画面不同地方使用时，要有明显的区分，哪里轻哪里重都要贴合画面的主题。在这一点，完全可以参考梵高和雷诺阿的油画色彩。（梵高·收获）同时，相邻色彩或色块之间要自然过渡，要有缓冲余地，不能从一种色彩直接跳到另一种色彩上，如同把它们拼接在一起，看起来生硬、扎眼，这是使用色彩的大忌。
梵高是色彩大师，我以他的名作《收获》来阐释他的画法。《收获》描绘了一幅麦田成熟，人们即将收获的场景。画面中的主色彩是金黄色，符合麦子成熟时的颜色。但细看之下，那些方方正正的麦田里的金黄色，在色调上都有细微差别，由近到远，金黄色逐渐减弱，到山峦附近，麦田的颜色已经变成暗黄，这就给人非常有层次感。（梵高·亚尔附近的花田）更重要的是，梵高在麦田与麦田之间，用一条不同于金黄色的线条把它们隔开，观者可以想象这条线条是小路，是草丛，是地界，等等，这就给画面增加了许多趣味，若是整片的金黄色连在一起，艺术效果肯定没有这么好，还容易让视觉没有缓冲余地而感到疲劳。
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