1，钩5公斤以上的黑鱼要用什么调性的雷强竿 是在重草区的 请专业人事回

SH、XH 都可以！不过具体还要看品牌而定！XXH也可以 但是抛投性最差！
mh

钩5公斤以上的黑鱼要用什么调性的雷强竿 是在重草区的 请专业人事回

2，雷强竿硬调怎么分

雷强竿H是轻雷，XH是中雷，硬度不同。1、轻雷鱼竿，调性较软，利用弹性来控制鱼的爆发力，衰减鱼的力量，选择合适的调性还可以保护鱼竿避免断线。2、硬性雷强竿，调性大部分是XH和XXH的，雷强竿的调性通常比较硬，竿的长度也通常为2.18，2.28和2.48米的，雷强竿基本上是强度较高双腿绑线导环，可以稳定坚固鱼竿，黑鱼竿比较一般的路亚竿一般7斤左右的黑鱼都可以直接抬起上岸，XH调性的雷强竿适用于一般的钓场，适合于有草的环境。

雷强竿硬调怎么分

3，19调性雷强竿是多少调性

19调性雷强竿是h调性，雷强竿都是超硬调性的鱼竿，目的是快速拉鱼出水上岸，防止跑鱼。

19调性雷强竿是多少调性

4，xh调路亚杆适合钓什么鱼搭配多大的鱼线鱼轮请师傅们帮忙解答一下

xh的硬度是超硬 可以钓大型的路亚目标鱼，鱼轮建议搭配三千到四千左右的，线选择3到5号左右，具体也要看作钓的目标鱼还有使用几编线，四编线跟九编线选择的号数是不一样的。

5，吉他五线谱怎么看的还有75降56降666这个什么意思

吉他五线谱 如果是和弦 需要你自己去换算，一般吉他除了古典曲子 应该是很少五线谱的吧. 如果是华彩谱就比较容易 就跟键盘一样. 把五线谱的12345对照换成吉他的12345 只是要注意调式调性 六线谱是什么都给你标注好的 五线谱要你自己去转换调式. 你发的升降记号我没看懂是啥子意思 半音阶？
吉他是六线谱吧~

6，黑鱼鲶鱼路亚竿用什么调性的

常用的调性有UL、L、ML、M、MH、H、XH、XXH。看作钓环境，障碍少的话 一般的泛用路亚竿就可以使用， 比如 M、MH 之类 有些地方因为基本没有障碍物的亮水区，甚至可以用ML硬度的竿子来钓。如果环境比较复杂，障碍物又比较多，直接使用更硬的竿子，H硬度起步，当然也可以选择专门针对黑鱼的雷强竿使用 都是可以的。扩展资料：钓路亚黑鱼时的几点常见误区：1、认为春节繁殖期的黑鱼最猛，最好钓。其实不是这样，由于黑鱼护幼的特点，在产卵后的3-5天，直至幼鱼自立前，雌雄黑鱼都守护在卵前一心护窝，而且是驱赶状态，所以繁殖期的黑鱼不好钓。2、认为秋季的黑鱼应该冬眠，不会吃食，。秋季秋叶在落，水里的草开始枯黄的时候，黑鱼的胃口最大。吃食最凶猛，基本全是深喉。因为，这个季节的黑鱼，为了越冬急需补充脂肪，加之秋高气爽，黑鱼不会放过任何一个捕食的良机。3、认为杆子越硬越好，线越粗越好。XH的竿子，搭配个8. 0的PE，抛饵都抛不出去。总之，装备搭配要合适，不是最好的轮子加最好的杆子，就是最好的装备。4、认为所有的调性MH都一样硬。不是，黑鱼竿，鲈鱼竿，鲶鱼竿，每种杆子的MH重量不一样，首先先径元径就不一样，还有厂家的生产标准也不一样，所以硬度差距非常大，这时不能混淆的。参考资料来源：百度百科-钓竿

7，怎样分析调式调性

1.看调号，有的调看调号就OK了2.看谱面里的编印记号，判断是和声调式还是旋律调式（个别情况下有用临时升降号的）3.看尾音，一般尾音都是主音或是主和铉 属和铉上4.主音旋律的6级和7级已看出是旋律或和声的大调或小调
不管是西洋的还是民族的都先看结束音因为一般它就是主音然后看调号是什么，把谱从头到尾唱一遍，感觉一下是民族调式还是大小调，然后再分析整个旋律OR片段看临时变化音或调号判断是否有转调剩下的基本分析书上都有教如果不懂你就问我我讲给你
简单的。。是可以这样的、~ 看调号。。在看最后一个音。。。可，，不是万能的。。 首先。。是看调号。。但调号也有可能。。是多的或少的。。 再看乐句结束的最后音。。最后大多都结束在主音或属音上。。 其次，，就是分析乐段中的音。。。看在强调哪某个音。。或哪个和弦。。就可以推出属于什么调。。。~~
不管是西洋的还是民族的 都先看结束音 因为一般它就是主音 然后看调号是什么，把谱从头到尾唱一遍，感觉一下是民族调式还是大小调， 然后再分析整个旋律or片段 看临时变化音或调号 判断是否有转调 剩下的基本分析书上都有教 如果不懂你就问我 我讲给你

8，求调性分析的方法民族和西洋调式的要详细谢谢

1.首先看调号，然后结合首调法看结束音是c还是a2.分析首调后看音阶是否出现f和b3.如果出现f和b，也不一定是西洋调式，可能是清乐，雅乐，燕乐，注意分析4，7级的升降情况来断定为哪种民族调式4.如果只有5声，直接看尾音定调式5.如果音阶的每个音完全出现，就分析5.6.7的升降情况来判断大小调式
音乐是听覚艺术，调式分析首先应是通过唱奏听音乐风格，后辅以理论分析。就是进　　考场也要小声唱唱，不轻声唱唱是分不清哪是民族调式哪是大小调式. 如果固定唱名不行　　，就用首调唱名.首调不熟没关系, 首调容易学现学现练都成，多唱几遍，只要能基本唱准　　，唱出两小节就足够了。这两小节音乐足足叫你体会到，是西洋味的就是大小调式, 是中　　国味的就是民族调式. 我们的视唱练耳课不能光学固定唱名，首调唱名应有一定比例的练　　习时间。　　关于民族六声七声调式，岀现两个或三个大三度音程，从中怎样判断哪一个是宫一角大　　三度？这种情况不在研究大三度音程本身上, 而是研究岀现的小二度音程, 要鉴别构成小二　　度的两个音, 哪一个是正音哪－个是偏音. 由两个正音构成的大三度就是宫－角大三度, 由－　　个正音和一个偏音构成的不是宫一角大三度. 构成它们的是清角－羽和征－变営，或清角－羽　　和闰一商，或商一变征和征－变宫这三种大三度. 这里的关键问题是, 怎样区分小二度的两音,　　哪个是正音哪个是偏音. 下边介绍五种区分的方法：　　(1) 构成小二度的两个音，谁岀现的数量多，谁就是正音。　　(2) 正音在强拍上强位上多， 偏音在弱拍上弱位上多。　　(3) 长时值音是正音。　　(4) 旋律的支点音都是正音，偏音只以助音和经过音形式岀现。　　(5) 大跳一般在两个正音上进行。偏音一般不作大跳进行。　　在上述区分正音和偏音的五种方法中，头两条是最重要的，其它四条作辅助参考。　　.

9，什么是调详细的

我们常常会听到"调式"和"调性"这样的音乐术语，比如A大调钢琴协奏曲、g小调交响曲等等，但这个"调"的概念却最不容易理解，比起节奏、旋律来说，它离我们的听觉感受似乎是最远的。但是在音乐中，这个要素又无所不在，所以我们还是要在理论的帮助下，尽可能的了解它、感知它。 一、调式（mode） 调式是音乐创作中所用的一组作为音高材料的乐音，在理论上这一组音是以音阶形式排列的，其中各音不同的排列方式、不同的相互关系，就构成了不同的调式。 无论是大调还是小调，第一个音都是最有权威、地位最稳定的，被称为主音或中心音。比它次要些的，是由主音向上数五度的"属音"，还有从主音向上数四度的音"下属音"（称作下属是因为若从主音向下方数，它位于下方五度上）。属音和下属音就如同主音的两个大臣，对主音起到支持的作用，剩下的那几个音则处于更加次要的地位。如果仔细点说，在这由7个音组成的小王国里，每个音都有独特的价值和作用，或者说都有自己的特点，但它们必须服从于整体利益，这就是大调世界里的秩序。 除了主音不同以外，还应该注意到，大调和小调音阶中的具体结构是不一样的。这主要体现在半音和全音的布局上。 无论是大调还是小调，第一个音都是最有权威、地位最稳定的，被称为主音或中心音。比它次要些的，是由主音向上数五度的"属音"，还有从主音向上数四度的音"下属音"（称作下属是因为若从主音向下方数，它位于下方五度上）。属音和下属音就如同主音的两个大臣，对主音起到支持的作用，剩下的那几个音则处于更加次要的地位。如果仔细点说，在这由7个音组成的小王国里，每个音都有独特的价值和作用，或者说都有自己的特点，但它们必须服从于整体利益，这就是大调世界里的秩序。 除了主音不同以外，还应该注意到，大调和小调音阶中的具体结构是不一样的。这主要体现在半音和全音的布局上。 半音和全音是不同的"音程"(interval)--所谓音程是指两个音之间的距离。Do和Re之间的音程是一个全音，它包含两个半音，而Me和Fa之间只是一个半音的距离，在键盘乐器上它是最小的单位（在弦乐器上可以细分到更小），也是我们通常音乐概念中的最小单位。从上面两个谱例中我们可以看到，在不同的音阶里，半音和全音的位置是不同的，也就是说，大调和小调的内部结构是不同的。关于这些请参考乐理知识，这里不细说了。 从听觉上我们怎样才能感受到是大调或者小调呢？最简单的办法是听一首乐曲或一首歌的结尾，从旋律上来说，结束全曲的常常是主音，因为它最稳定，这种稳定感能够造成明显的收束，就像我们写文章时用的句号一样肯定（偶然也有例外，作曲家故意让音乐停在并非主音的其他音上，造成意犹未尽、余音袅袅的效果）。此外，一般来说大调比较明朗，这是因为在大调主音上构成的主和弦是大三和弦（do,mi,sol），相比较之下，小调的主和弦是小三和弦（la,do,mi）,它的色彩略微暗淡些。 对音乐欣赏者来说，最重要的是了解作曲家是怎样运用调式这一音乐要素来表现他的思想或情感的。我们以奥地利作曲家舒伯特（Schubert）著名的歌曲《菩提树》为例，它选自声乐套曲《冬之旅》。在这首歌中，表现了一个被恋人抛弃、孤独地流浪异乡的人，回忆起家乡门前那棵茂密的菩提树以及曾有过的幸福时那种复杂的心情。歌词的第一句是："门前有棵菩提树，生长在古井边。我做过无数美梦，在它的绿茵间。也曾在那树干上刻下甜蜜诗句，无论快乐和痛苦，常在树下流连。"这是流浪者对温暖往事的回忆。这一段舒伯特采用E大调来写，整体音响比较温暖，色调明亮： 接下来，歌词从温暖的回忆转到了凄惨的现实，流浪者唱道："今天像往日一样，我流浪到深夜，我在黑暗中行走，闭上了我的双眼。"这几句词的意境是暗淡凄凉的，于是作曲家将音乐也相应地作了变化，刚才的那条旋律轮廓基本保留，但调式从E大调变成了e小调。 这里调式的运用非常精彩，它的明与暗、温暖与凄凉的音响对比与歌词意境的改换十分贴切。而这一段的后一半，歌词的意境又变得温暖了："好像听见那树叶对我轻声呼唤：同伴，回到我这里，来寻找平安！"于是作曲家让这里的两个乐句又从e小调返回到了E大调： 大调、小调在艺术表现上有着不同的意义。作曲家常常选用大调来写明朗宏伟的音乐，表现心旷神怡、英雄气概、军人风度等；用小调来写悲壮或忧郁的音乐，表现痛苦忧愁、儿女情长、缠绵爱情等。不过，音乐中各个要素都不是孤立的，它们必须和其他因素相结合。可以设想一下，小调式假如和很强的力度、棱角分明的旋律以及果敢有力的节奏相结合，再加上音响辉煌的配器，它所得到的效果可能并不暗淡，同样，大调式也可能因为其他要素而变得柔和甚至暗淡。 二、调性（key） 调性是指某个调式所在的精确音高位置。 确切地说，它是指明各个调式的主音所在位置。 比如A大调，这里的"大调"是指它的音阶结构，"A"则是说主音在A这个音高位置上，它后面的第二个音，就在B上，第三个音在#C上，依此类推。 假设都是大调， A大调和bB大调，它们的音阶结构形式是一样的，从A大调换到bB大调上去唱同一首歌曲，旋律不会有任何改变。这在日常生活中是常见的现象：众人唱歌，起头的人起得太低了，大家会说，起高一点。于是他换到了稍高一点的调上，再带领大家开始唱。这样做的结果，音乐效果会很不同吗？如果仅仅就这两个相邻的调性来说，不会有很大的改变，bB大调比A大调只提高了小二度音程，在听觉上没有明显的变化。但是如果结合其他要素来看调性的改变，就会发现它是很有意义的了。 我们在前面谈到过音区这个要素，各个音区也有它独特的表现意义。高音区明亮，低音区深沉，中音区比较适中、柔和。假如一条旋律先在D大调上演奏，第二次提高到A大调上，这个跨度就比较大了（高了五度），你肯定会感觉到音区的变化使这条旋律有了新的意味。 乐器性能与调性的搭配也会产生不同的效果。铜管乐器由于它们特殊的构造和泛音列(是有振动体和气柱发出的合成音列)。吹奏带有降号的调比较容易，会有很好的共鸣和音色，如降B、降E调等等，而弦乐则更喜欢带升号的调，如D、A、E调。因此，作曲家在写器乐曲时，选择调性是一定会考虑到乐器性能的。 有趣的是作曲家们常常有纯属于个人的对调性的感觉。有人一写到忧伤的音乐，就要用降号多的调，而写到明朗单纯的音乐，C大调或F大调、G大调之类的就常常是首选，甚至还有人认为各个调都有不同的颜色，有红的、蓝的、绿的、白的等等。 为造成音乐色彩的变化和对比，作曲家在一部作品中往往要使用多个调式调性，从这个转向那个，这就是"转调"。挪威作曲家格里格(Grieg)的管弦乐组曲《培尔*金特》中的"朝景"，是一首转调手法运用得非常精彩的小曲，成功地为听者描绘了沙漠日出时的景色。作曲家只用了一条旋律，通过转调手法构成了绚烂多彩的画面，从天际刚刚发白，到太阳渐渐升起，最后照亮了大地，生动的色彩变化令听者有如身临其境。一开始主题旋律出现在E大调上，接着有一系列的转调：#G大调，B大调， F大调，c小调，D大调等等，最后又回到了开始的E大调，这最后的"调性回归"是为了让全曲获得首尾呼应和稳定的效果。 三、多调性（polytonality）和无调性(atonality) "多调性"和"无调性"这两个词在过去时代很少见，而在二十世纪音乐中常可见到，这是因为二十世纪的许多作曲家打破了传统的调式调性观念，采用了全新的音乐语汇。 对于习惯于古典音乐如十八、十九世纪欧洲音乐的人来说，多调性和无调性简直是难以忍受。所谓多调性就是调性。比如一个大乐队，弦乐声部在C大调上演奏一条旋律，木管声部在E大调上演奏另一条旋律，它给人的感觉就会很奇特，让人有一种无所适从的滋味。我们在介绍节奏这个要素时曾谈到 "复合节奏"，即在音乐进行中，同时出现两个甚至三个不同的节奏韵律，比如一个声部两拍子，另一个声部三拍子，它造成的感觉是多元化的。多调性也是如此。例如匈牙利作曲家巴托克的一首短小的小提琴二重奏，由于使用了多调性，听上去十分新鲜而且让人觉得趣味无穷。 这种在不同声部中使用不同调性的"多调性"手法，在二十世纪作曲家手下很多见，他们就是要打破原来的单一调性思维，造成更大的空间感和多元化的感觉。在十九世纪下半叶也有些作曲家不满足于在某个调性上驻留的稳定感，他们不仅利用转调来造成变化，还加密转调的频率，有时候两个小节就转一次调，其结果是调性感变得非常模糊，几乎难以辨认。二十世纪的多调性与之不同，它不是在时间顺序上频繁转调，而是在同时出现不同的调，这种做法比频繁转调更加大胆。 至于无调性，就是在音乐中没有任何传统的调性概念。前文已经提到，每个调式都有其特定的结构，如主音、属音、下属音等等，音阶中的每个音各司其职，不得越位。在无调性音乐中，这种结构被彻底破坏了，无所谓主音、属音，它们成了无君无臣的一群，可以自由自在地进行到任何一个方向，无所顾忌地让音乐在任何一个音上开始和结束。这种无调性音乐常常使听惯了古典音乐的人无所适从，因为人们几乎没法子来哼唱、记忆这种旋律。下面这首奥地利作曲家勋伯格（Sch?nberg）的小曲就是无调性的，选自他的《五首管弦乐小曲》。 无调性的音乐给人一种解放的感觉和极大的想象空间。正如二十世纪的抽象绘画，或是毕加索的变形画，原本具体严谨的物体或人物形态在这种画面上瓦解了，变得自由而新奇。曾有人怀着反感和好奇问那些手法奇特的作曲家，为什么写如此难听的无调性音乐，他们的回答是：我觉得这很好听。
调动？调节？调子？都是把某个东西放置在合适的地方
调？····调戏？
过桥米线 :已有一百多年历史。源于滇南蒙自。传说蒙自县城的南湖旧的风景优美，常有文墨客攻书读诗于此。有位杨秀才，经常去湖心亭内攻读，其妻每日备饭菜送往该处。秀才读书刻苦，往往学而忘食，以至常食冷饭凉菜，身体日见不支。其妻焦虑心疼，思忖之余把家中母鸡杀了，用砂锅炖熟，给他送去。许时待她再去收碗筷时，看见送去的食物原封未动，丈夫仍如痴如呆在一旁看书。只好将饭菜取回重热，当她拿砂锅时却发现还烫乎乎的，揭开盖子，原来汤表面覆盖着一层鸡油、加之陶土器皿传热不侍，把热量封存在汤内。以后其妻就用此法保温，另将一些米、蔬菜、肉片放在热鸡汤中烫熟，趁热给丈夫食用。后来不少都仿效她的这种创新烹制，烹调出来的米线确实鲜美可口，由于从杨秀才家到湖心亭要经过一座小桥，大家就把这种吃法称之“过桥米线”。经过历代滇味厨师不断改进创新，“过桥米线”声誉日着，享誉海内外，成为云南的一道著名小吃。 过桥米线由三部分组成：一是汤，二是切成薄片的各类嫩肉，三是米线和时鲜蔬菜，制汤考究，选用武定壮母鸡、本地老母鸭和猪筒子骨煨制，制汤的要领是选料讲究，原料与水来格按比便投放，中途不准加水，要用旺火烧开，撇去浮沫、改用小火煨制。鲜汤制好，经用精盐、味精、胡椒粉调味后，装碗时在汤内注入热鸡油，油浮在汤的表面起保温作用。肉片根据不同价格文件次分高中和大众款式。一般档次有白肉片、火腿片、猪脊肉片、腰片等，五种原料分别装盘各为一件，高档有水发海三、猪肚头、乌鱼片、水发鱿鱼、猪脊肉片、鲜鸡脯肉片、火腿片等。过桥米线档次的高低主要根据肉片的种类、是否加有海味以及份量的多少、装盘的形式而定。除肉类原料外，还有时鲜蔬菜如豌豆尖、韭菜苔、草芽、葱花、芫荽末，水发豆腐皮等。 由于过桥米线汤一般都在80摄氏度以上，汤上桌后，切记不要急于去品尝，不然会烫伤嘴唇、舌尖。这是一道饭菜合一、自烹自调而食的有强烈地方特色的小吃，进餐者可按照自己的口味的各种动物性原料经过烫制成熟，并将半成熟状态的蔬菜、米线等入汤升温使其完全成熟。“自调”就是在餐桌上将精盐、味精、胡椒粉辣椒油、葱花、芫荽末调入汤内，达到进餐者理想的口味要求。由于各种肉片是利用鲜汤烫熟，异常鲜美滋嫩可口，老少南北皆宜。汤水宽厚，油重，米线滑润，久吃不厌。 属菜系：云南菜 原 料： 鸡脯肉 、猪肚头、猪腰子、乌鱼肉、水发鱿鱼、油发鱼肚、火腿、香菜、葱头、净鸡块各20克 ，水发豆皮、白菜心、碗豆尖、葱、豆芽菜、蘑菇各50克，米线200克。 制法： 1.把肉料分别切薄片，有味的焯水后漂凉装盘； 2.其余各料另锅焯水，漂凉后切段装盘； 3.香菜、葱切碎和油辣椒及烫过的米线一同上桌； 4.鸡油烧至7成热时装入碗中，倒入烧开的清汤，加调料上桌； 5.食时先将肉片烫至白色，下绿菜稍烫，再下米线，撒少许葱花、香菜即成 。

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